CINECLUB ERROR FILMS

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Tomada en el auditorio Marco Fidel Suárez

Rebeca (Alfred Hitchcock) sábado 4 de abril 2009


En un paseo por el mundo blogger encontramos la que quizás sea la mejor apreciación sobre este clásico del cine mundial.

(Tomado de enclavedeocio.blogspot.com)


"Yo quise ser Rebeca. Me fascina el hecho de que una muerta pueda tener tal personalidad que sea capaz de protagonizar una película sin salir ni una sola vez. Quise estar tan viva en las mentes de todos, que sin respirar mi presencia fuera para todos constante... Y luego se me pasó. Pero sigo sintiendo devoción por esta película que es una de mis favoritas de todos los tiempos.

LA HISTORIA
La película comienza con la afamada frase de "Ayer soñé que volvía a Manderley" que sale de los labios de Joan Fontaine, una apocada jovencita que rememora su pasado. A continuación nos vamos a Montecarlo donde un hombre elegante (Laurence Olivier) se asoma peligrosamente a un acantilado. De repente, el silencio se ve quebrado por el grito de una jovencita de unos 20 años y de aspecto tímido. Él le increpa y le dice que no grite. Ella, convencida de que no va a tirarse ladera abajo, se marcha.
La joven trabaja para la señora van Hopper como señorita de compañía. Es una huérfana que ha de trabajar para subsistir y que robará el corazón al caballero del acantilado, el acaudalado y aristocrático Max de Winter [...] Todo en la casa recuerda a Rebeca, la primera mujer de Max de Winter. Es una presencia silenciosa que se oculta en cada uno de los rincones y que todos se encargan de hacer bien presente. Ella se forma una imagen de Rebeca como una mujer bella, llena de encanto, de clase, de distinción y asume que ella nunca será capaz de igualarla. Nunca estará a la altura.Y hasta aquí puedo leer....

FICHA TÉCNICA
Director: Alfred Hitchcock (1940)
Protagonistas: Joan Fontaine (Segunda Señora de Winter)Laurence Olivier (Max de Winter)Judith Anderson ( Sra. Danvers)Productor:David O. Selznick

EL SALTO A AMÉRICA DE HITCHCOCK
A finales de los años 30 y después de haber alcanzado el éxito con numerosas películas en Inglaterra, Alfred Hitchcock empezó a manifestar sus deseos de cruzar el charco puesto que norteamérica le ofrecía unas posibilidades técnicas mayores. En 1939 firmaría un contrato con David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó,que fue el gran éxito del año por 50.000 dolares.
Rebeca fue su primera película juntos y la primera de su época americana. Fue una colaboración difícil, porque Hitch era un director con las cosas muy claras y Selznick era un obsesivo del control, de manera que era como dos trenes a punto de chocar. El guión se tuvo que reescribir en innumerables ocasiones, porque Selznick era partidario de hacer una adaptación bastante literal de la novela y Hitch de utilizar lo menos posible de ésta. Leía la obra de Du Maurier, he de decir que me alegro de que al final ganara Hitch, porque es malilla por no decir horrible directamente. El casting también fue complejo. Descartados actores como Leslie Howard (el lacio de Ashley en Lo que el viento se llevó) y Melvyn Douglas, se decidieron por Laurence Olivier, casado con Vivien Leigh. Más problemática fue la elección de la actriz. Ninguna les convencía. Probaron a un montón de actrices, entre ellas Anne Baxter (a la que descartaron por ser demasiado joven) y a Olivia de Havilland, hermana de la elegida Joan Fontaine. Conocida es su rivalidad, aunque nacería años más tarde. Ambas se odiaban a muerte, pese a su diferencia de sólo un año y el aspecto ñoño de ambas. Quien lo iba a decir.
Joan Fontaine tenía 21 años y no había tenido ningún papel importante en el cine. Es más, nadie confiaba en ella, ni siquiera el entonces novio de la actriz Brian Aherne (y acto seguido marido) que llegó a decir que era "joven, bonita, alegre, absolutamente encantadora y sin ninguna madera de actriz, gracias a Dios". Así que sólo le gustaba a Hitchcock. Todo el reparto estaba en su contra, lo que contribuyó a que la imagen que ella da en toda la película de estar muerta de miedo a todas horas era más que real; era exáctamente lo que estaba viviendo. Algo que, huelga decir, a Hitchcock le venía de perillas.

EL PESO DE REBECA
Como he dicho al principio, es lo que más me fascinó de esta película. Rebeca está muerta y se sabe desde el principio y pese a todo es una de las principales protagonistas de la historia. ELLA es la Señora De Winter; de hecho, el personaje de Joan Fontaine ni siquiera tiene nombre. Es la "segunda" señora de Winter, el plato de segunda mesa, la opción de la carta que nadie elige.Rebeca acompaña a su marido en cada uno de sus actos; cada una de las cosas que hace o dice Max está influída por el peso de su primera mujer. La Señora Danvers la adora y no quiere dar cancha en absoluto a la advenediza que se ha casado con el señor. Su primo Favell, enamorado de ella, no quiere olvidarse de Rebeca y amenaza con su recuerdo a Max. En fin. TODOS y cada uno de los personajes tienen algo que decir de ella.
Y con el paso de la película descubriremos que no es precisamente todo bueno... pero tendréis que verla.Hay una referencia constante a ella muy sutil. Es el mar embravecido lo que nos evoca a cada segundo a Rebeca. El mar que mira Max desde el acantilado con el que se abre el prólogo. El mar en el que se hunde el barco. El mar que vigila la casa. La playa donde recala Joan Fontaine. El mar es Rebeca. Impredecible, brava, omnipresente.

MANDERLEY
La casa es un personaje más de la película. Es curioso como Hitchcock consigue convertir en protagonistas a muertos o a cosas. Manderley está viva y como un personaje más evoluciona.
Al principio la casa es hostil ante la presencia de Joan Fontaine. Las estancias están frías, desangeladas, nada acogedoras. El perro la ignora, el servicio no le presta atención más allá de que es la mujer con la que se ha casado el jefe. La casa es todavía de Rebeca, a la que reconoce como ama. Ella es la recién llegada y nadie le pone las cosas fáciles.Es muy significativo como el estado de ánimo de ella, decaído, triste, abrumado, se plasma en los planos de la casa, en la que predominan los largos corredores y las estancias gélidas. Para hacerle todavía más difíciles las cosas, la escalera está adornada de cuadros de los antepasados de Max, para hacerle sentir más aún que ella no pertenece a ese lugar, que ella no tiene la clase suficiente para ser la dueña.
Sin embargo, conforme el tiempo pasa y se va produciendo un cambio en ella, esto cambia. En la biblioteca aparece el fuego y el perro al final será quien la salve incluso. Así que la casa cambia, se hace de ella.

LA SEÑORA DANVERS
Judith Anderson fue nominada al Oscar por esta película, aunque perdió. Este papel condicionaría otros de su filmografía porque bordó de tal manera su actuación que no hacían más que ofrecerle papeles en la misma línea.Mucho se ha hablado sobre la homosexualidad de su personaje. Por más que trataron de maquillarlo (estamos hablando de una época en la que imperaba el Código Hays de censura y los amores lésbicos estaban prohibidísimos), sí que queda bien de relieve que al menos ella estaba locamente enamorada de Rebeca. Portentosa es la escena en la que la señora Danvers (a la que no se ve andar en toda la película; ella aparece, como un fantasma, para asustar a Joan Fontaine) le muestra la habitación de Rebeca. Todo está en su sitio, se ha conservado igual que Ned Flanders mantiene la huella de Maud en su dormitorio en los Simpsons. Nada ha cambiado. Incluso su ropa interior, que ella acaricia lascivamente y de la que le muestra su transparencia a la Fontaine. Ella nunca podrá ser tan sexy. Nunca.
Hay otras muchas referencias al lesbianismo de la Sra. Danvers, pero no me extenderé porque como he dicho antes ¡tenéis que verla!

CURIOSIDADES
- Ganó el Oscar a Mejor Película, aunque no a mejor director. Hitch no ganaría ninguno en toda su carrera.- El tradicional cameo de Hitchcock se produce al final de la película, cuando pasa por delante de la cabina de teléfonos desde donde está llamando Favell, el primo de Rebeca.
- El nombre de la protagonista en el libro era Daphne, como el de la autora, pero fue Selznick quien insistió en que no saliera- Hitchcock, a pesar de que no era precisamente fan de Daphne Du Maurier adaptó dos de sus obras: esta y La Posada Jamaica, su película inmediatamente anterior.
- A las chaquetas de punto se las llama rebecas en España por esta película: es la prenda de vestir favorita de Joan Fontaine en el film.- Joan Fontaine nació en Tokyo. Su enemistad con su hermana nació cuando ambas fueron nominadas al Oscar el mismo año y Olivia perdió. El apellido de Joan era De Havilland; se puso Fontaine por su padrastro.



EL BAILE (Ettore Escola) sábado 14 de marzo

Una historia donde el protagonista es el baile. Entendido como el ritual humano inherente a la vida en sociedad.

El escenario es sólo uno: una taberna con pista de baile. Los personajes son varias parejas de baile que viven el paso del tiempo en una especie de estado de inconsciencia, donde nada importa más que bailar.
Con el desarrollo de la historia vamos conociendo diferentes facetas de los personajes. Hay que decir que el tiempo interno de la obra es más o menos de 1930 a 1982. Con el transcurrir de la época van llegando las diferentes músicas y modas que vivió el mundo occidental en el siglo pasado. Esto quiere decir que hay factores externos que entran a la historia de manera implícita. La segunda guerra mundial, el auge de Elvis, mayo del 68, etc.

De la película me gusta:
La sicología de los personajes. Cada uno tiene vida propia y es un mundo de ideas y comportamientos. La ambientación del escenario de acuerdo a la época, al igual que la música y el vestuario. La idea principal, pues el baile es un suceso social digno de abordarse desde cualquier punto de vista, académico o artístico. Y demuestra que en el cine, y el arte en general, cabe cualquier tema por complejo, simple o cotidiano que parezca.

EL FANTASMA DEL PARAÍSO (Brian de Palma) martes 10 de marzo

Es la historia de un compositor rockero de finales de los años 60 que escribe una cantata con más de trescientas partituras sobre el Fausto de Goethe. El antagonista es un productor musical y dueño de una famosa discoteca llamada El Paraíso, quien se adueña de la obra del compositor.
Después de muchos sucesos el músico firma un contrato para producir la música de una muy esperada fiesta.

Esta es una historia trágica, cargada de metáforas y con ciertas parodias de El Fantasma de la Opera. La música es muy bien elaborada y da a la trama mayor misticismo. Me gustan mucho los escenarios y la fotografía de la película porque van de acuerdo a la época en que sucede la historia.

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (Robert Wiene) sábado 7 de marzo de 2009

Un filme alemán de los años 20, en blanco y negro y mudo. Este sí que es un clásico del cine mundial, pues refleja mucho lo que era la época, no sólo en el ámbito sociocultural, sino para el arte como tal, pues no se terminaba de inventar el séptimo arte.

Desde la historia, pasando por el lenguaje visual, hasta la interpretación de los actores, me parece a mí una manera de mirar el mundo y los nuevos inventos como un juego donde todo es posible. Algo que sin dudas se ha perdido hoy en día irónicamente, pues la tecnología, el comercio y ese pensamiento consumista que todos, de alguna manera tenemos, nos ha llevado a pensar que si no tenemos una cámara de 100 millones de pesos, como mínimo, no se puede hacer cine, o televisión, o arte en general. Tantas herramientas que tenemos hoy día, no sólo el recurso técnico, sino también la facilidad para comunicarnos, para publicitar, conseguir un buen equipo de trabajo, locaciones, transporte, y no digamos que se acabaron las historias para contar, pues hay por doquier, historias que, si bien ha cambiado la sociedad, permanecen allí esperando ser contadas, algunas se han trasformado, otras han surgido con la época; entonces yo no me explico por qué todavía nos da miedo hacer cine.
¡Las maravillas que hubiera hecho Robert Wiene con las ventajas técnicas que tenemos hoy!

MARAT SADE (Peter Brook) martes 3 de marzo de 2009

Una película extraordinaria, filmada a comienzos de los años 60 cuando en Francia se cocinaba el recordado Mayo del 68. Esta película tiene una fuerte crítica hacia lo que es el mundo Occidental; sus guerras, sus ideales, su moral. Es una historia de conciencia social e irreverencia. Refleja el pensamiento de una época, de una generación de jóvenes que estaban cansándose de lo que ocurría en el mundo del momento: la guerra fría, el comunismo, el capitalismo, el hipismo, en Colombia el nadaísmo. Un mundo que no ha cambiado, pues los problemas son los mismos, sólo ha cambiado la manera de interpretarlos.

Me gusta del filme el hecho de que se grabe en un único escenario sin volverse tedioso, lo que rompe con muchos paradigmas académicos. Me gustan los roles de los personajes y la personificación de éstos. Me gustan los pasajes musicales porque son composiciones muy elaboradas y variadas, además de la instrumentación que tienen.

La historia es dramática de principio a fin y tiene mucho ritmo, lo cual la hace atractiva. En general, es un filme clásico del cine porque define una época, un pensamiento, un contexto que marcó una etapa en la historia de la humanidad.

LOS LIBROS DE PRÓSPERO (Peter Greenaway) sábado 28 de febrero de 2009

Un filme pesado para el espectador, donde la historia se desarrolla a partir del relato de Próspero, el personaje principal.
Es una película experimental donde, como en la música de academia contemporánea, se realiza para los mismos realizadores, productores y personas que saben de cine.

Tiene recursos técnicos muy interesantes como el manejo de la luz, la cámara y la edición. Los efectos de audio son muy buenos y la música también. La puesta en escena se asemeja a la del Circo del Sol por la danza, los colores y la actuación de los personajes, inclusive, se vuelve muy teatral.

LOS FANTASMAS DE GOYA (Milos Forman) sábado 21 de febrero

La fotografía es el gran acierto de este filme. El color, la textura y la escenografía de esta película hacen que la historia se narre con total efectividad. El vestuario, los actores, las locaciones; esto tan difícil de lograr se ve muy natural dentro del filme y eso le da mucho valor.

La trama es interesante y me gusta el hecho de que Francisco de Goya, pintor del siglo XVIII, no es en últimas el protagonista de la historia, aunque sí hace parte del desarrollo de ésta. Además hay que destacar la historia como una tragicomedia al estilo italiano, donde hay drama, humor, tragedia y poesía.

TAN LEJOS, TAN CERCA (Win Wenders) martes 17 de febrero de 2009

Esta película muestra lo mejor del estilo francés. Una historia donde el hilo de la historia lo da la narración del protagonista, un ángel cuyo papel es proteger a los humanos y siempre está preguntándose qué se siente ser mortal, vivir el paso del tiempo, pues como ángel no logra sentir esto; sin olvidar que son invisibles al ojo humano. De este filme hay que destacar los movimientos y planos de la cámara. Comienza con una larga secuencia llena de majestuosidad y virtuosismo. Y prosigue, a lo largo de la película, con tomas de mucha exigencia.

QUEMESE DESPUES DE LEERSE sábado 31 de enero de 2009

El final es frustrante aunque quizás no había otro.

Quiero comentar sobre esta película el buen manejo de los planos de la cámara. No quiero parecer sabiondo ni mucho menos, pero me gusta hablar sobre lo que me gusta de un filme. Hay películas que se graban haciendo uso de los planos clásicos, otras tratan de evadir esa estandarización y utilizan otros recursos menos convencionales como la velocidad en el zoom o en los paneos. Esta por el contrario, tiene un poco de ambas, y es normal encontrar una secuencia completa donde solamente se encuadra los pies del actor al caminar. También el plano abierto donde se encuadra la casa de cuatro pisos y parte del vecindario y el carro llega casi imperceptible por la derecha. Hay que decir que estos planos no son nunca antes vistos, pero se necesita de una buena apreciación para utilizar estos recursos sin que parezca un error o una informalidad. De hecho, generalmente, obedecen a una intención dramática del director.

EL FOTÓGRAFO sábado 24 de enero de 2009

La película mexicana El Fotógrafo donde actúa Mario Moreno “Cantinflas” es una más de sus obras de arte.

Comienzo mi apreciación sobre la película hablando de lo técnico. Me gusta mucho el uso de la luz en este filme en blanco y negro pues como todos sabemos, de los aspectos técnicos más importantes dentro de una producción cinematográfica está el manejo de la iluminación.

Me gusta mucho el uso de las sombras y la simpleza con que se utilizó el recurso luminotécnico. Definitivamente es una película propia de una época del cine donde hasta la tragicomedia tiene un aspecto de suspenso probablemente influenciado por Hitchcock.

Otros aspectos a destacar de este filme mexicano es la música de orquesta sinfónica, algo que se ha venido perdiendo en las bandas sonoras de hoy, donde la fuerza dramática de la orquesta se ha cambiando por lo sugestivo de la música incidental.